Dal punto di vista programmatico la formula "Rappel a l’ordre" non intendeva suggerire un mero ritorno al passato, un recupero meccanico di formule o stilemi importati dai modelli dei grandi maestri dell’arte italiana, ma in primo luogo il frutto di una tensione creativa volta al riconoscimento e alla riappropriazione di canoni universali, “classici”, ritenuti inaggirabili per dare attuazione a un’autentica espressione artistica.

 

Quell’equilibrio tra tradizione e modernità, tanto arduo quanto felicemente raggiunto nell’opera di artisti come Casorati, Sironi, Carrà, Wildt, Arturo Martini, seppe guadagnare e certo non respinse il sostegno del regime fascista, a sua volta teso alla ricerca di un’arte che, senza essere passatista, fosse in grado di tradurne più o meno fedelmente i fondamentali caratteri culturali e soprattutto di corrispondere adeguatamente alle sue basilari esigenze celebrative e propagandistiche.

 

La mostra “Novecento. Arte e vita tra le due guerre” documenta gli snodi essenziali in cui questa controversa e anche dolorosa connessione tra arte e politica (tra arte e ditattura, nella fattispecie) trovò applicazione: la I e la II Mostra del Novecento Italiano (1926 e 1929), la grande Mostra della Rivoluzione Fascista (Roma 1932-1933), in occasione del decennale della marcia su Roma, la V Triennale di Milano, la rassegna dell’'E42 di Roma.
La pittura murale e la scultura monumentale, assieme all’architettura, costituirono evidentemente e tipicamente la più significativa espressione artistica del regime, e dunque sono stati proprio gli edifici pubblici (palazzi di giustizia, delle poste, delle università) gli ambienti principali a essere sottoposti a indagine.

L’esposizione mette a fuoco i principali temi affrontati nel Ventennio dagli artisti che aderirono alle direttive del fascismo, partecipando ai concorsi e aggiudicandosi le grandi commissioni pubbliche. Il fondamentale recupero, teorico e pratico, del rapporto tra la pittura e l’architettura, piegato alle finalità auto-celebrative tenacemente perseguite dal regime, come da tutti i poteri totalitari, si tradusse in un ritorno all'ideale linea maestra del rinascimento (da Giotto a Michelangelo, passando per Masaccio, Piero, Mantegna), nella quale venne riconosciuta la fonte di ispirazione sostanziale, e discriminante sotto il profilo identitario, per gli artisti italiani attivi nel Ventennio, tra istanze nazionaliste, superomismo e rivendicazione dell’autarchia come orgogliosa difesa della tradizione autoctona.

 

L'analoga ricerca di recupero della misura e dei principi classici che si registrò anche nelle arti applicate e negli oggetti della vita quotidiana è testimoniata nell’esposizione di Forlì dai mobili e dagli arredi disegnati da Piacentini, Cambellotti, Pagano, Montalcini, Muzio, Gio Ponti.
                                                                                       Lu.Bo., 13/03/2013
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