L’analisi del divenire dell’opera d’arte e del processo che la pone in essere ci sembrava un terreno particolarmente fertile per stimolare ed incentivare differenti approcci teoretici e metodologici. Riferendosi alla processualità del fare creativo, il simposio ha fatto riferimento alla controversa figura dell’artista-creatore, che discende dall’entità mitica del Demiurgo delineata da Platone nel Timeo.

Ponendosi quale scopo l’interpretazione dell’attività demiurgica dell’artista e l’individuazione dei possibili metodi con cui essa dirige e plasma l’invenzione artistica, il convegno ha posto l’accento sulle modalità adottate in Età Moderna per veicolare i concetti metafisici tramite la materialità delle opere d’arte. Accanto all’analisi di casi pratici volti a dimostrare come gli artisti ed i critici del periodo in esame affrontassero tale questione, i contributi presentati al simposio hanno passato al vaglio la gnoseologia del XX secolo, come quella di Gilles Deleuze, che definiva l’opera d’arte “una macchina in grado di generare una realtà propria”.

Si è cercato, inoltre, di valorizzare l’importanza dell’analisi della tecnica esecutiva delle opere d’arte per comprendere e ricostruire il processo creativo da cui esse hanno tratto origine. Tale attenzione trova un parallelo significativo in una serie di mostre recenti, tra cui Peter Paul Rubens: a touch of brilliance: oil sketches and related works from the State Hermitage Museum and The Courtauld Gallery Institute (Londra, Courtauld Gallery 20 Sett 2003 - 8 Feb 2004), Bernini Sculpting in Clay (New York, The Metropolitan Museum of Art 3 Ott 2012 - 6 Gen 2013; Fort Worth, Kimbell Art Museum 3 Feb - 14 Apr 2013) e Federico Barocci: Renaissance master of colour and line (St. Louis, Missouri, Saint Louis Art Museum 21 Ott 2012 - 20 Gen 2013; Londra, National Gallery 27 Feb - 19 Mag 2013).

I tredici interventi hanno offerto una variegata casistica sul tema del divenire artistico, passando in rassegna opere di pittura, scultura, architettura e arti applicate dal 1550 al 1800 ed affiancando all’analisi formale una serie di interpretazioni filosofiche, metodologiche e tecniche.

La prima sessione, presieduta da Wolf Burchard (The Courtauld Institute of Art), era dedicata all’ispirazione e all’idea artistica (“Inspiration and the Artistic Idea”).
Nikola Mihaylov Piperkov (Université Paris I Panthéon, Sorbonne) ha evidenziato l’interazione tra la creazione artistica e quella alchemica mediante l’analisi delle opere di Pieter Brueghel il Vecchio e di Adrien de Vries raffiguranti Mercurio e Psiche. Offrendo un’interpretazione plotiniana del Ritratto di Raffaello inciso da Marcantonio Raimondi, Anne Bloemacher (University of Münster) ha rilevato le caratteristiche iconografiche adottate per rimarcare la fase dell’inventio e lo sforzo intellettuale in atto nella mente dell’artista. Mediante un confronto tra due enigmatici pastiches, raffiguranti due presunti ritratti di Tiziano e di Raffaello, James Hall (storico e critico dell’arte) ha ricostruito la nascita e l’incidenza di due modelli di artista creativo in perenne competizione. Vasco Nuno Figueiredo de Medeiros (University of Lisbon) ha dimostrato l’assoluta rilevanza della nozione di Iconopoiesis, sottolineando l’impatto delle conquiste tecnologiche sul tentativo di rappresentare il mondo circostante da parte degli artisti di Età Moderna.

La seconda sessione, incentrata sull’interazione tra le arti (“Breaking Boundaries”, infrangere i confini), è stata presieduta da Sheila McTighe (Professore di Storia dell’Arte del XVII secolo, The Courtauld Institute of Art). Il paragone tra pittura e scultura nell’ideazione dell’opera d’arte è stato presentato da punti di vista complementari. Mentre Joris van Gastel (University of Warwick) ha esaminato la funzione del disegno nel processo creativo di Gian Lorenzo Bernini, discutendo il ruolo del corpo dell’artista quale intermediario nella creazione artistica, Sefy Hendler (Tel Aviv University) ha dimostrato come un disegno preparatorio recto-verso di Parmigianino (figg. 2-3) abbia fornito lo spazio epistemico per mettere in discussione e ridefinire i confini tra pittura, scultura e disegno. Una panoramica sulle difficoltà disegnative affrontate dagli stuccatori britannici nel tentativo di soddisfare le esigenze di committenti sempre più esigenti è stata presentata da Claire Gapper (storica dell’architettura) in un intervento riguardante la creazione dei soffitti in stucco del periodo.

Presieduta da Jocelyn Anderson (The Courtauld Institute of Art), la terza sessione (“Out of Time”, letteralmente “fuori dal tempo”) era incentrata sul rapporto tra arte e tempo e sul processo di transizione dall’ispirazione alla fase esecutiva. Prendendo in esame le vicende costruttive del Pantheon in epoca rivoluzionaria, David Gilks (Queen Mary, University of London) ha analizzato gli ingegnosi, e tuttavia fallimentari, tentativi di Quatremère de Quincy di adattare i propri progetti architettonici ad un clima politico e finanziario in continuo mutamento. Foteini Vlachou (Universidade Nova de Lisboa) ha fornito un’analisi tecnica ed iconografica del dipinto non finito di Domingo Antonio de Sequiera raffigurante l’Allegoria di Junot che protegge la città di Lisbona, rilevando le complesse implicazioni ideologiche e giudiziarie nascoste sotto la superficie pittorica. Ulteriori riferimenti alla realtà politica e fiscale del tempo sono emersi dall’intervento di Letha Chien (University of California, Berkeley) sulle capacità di Tintoretto di dare corpo all’ideale di “venezianità” nel contesto della decorazione della Scuola Grande di San Marco di Venezia (fig. 4).

La quarta sessione, presieduta da Guido Rebecchini (Professore di Storia dell’Arte del XVI secolo dell’Europa Meridionale, The Courtauld Institute of Art), era imperniata sullo sperimentalismo artistico (“Artistic experimentalism”). Prendendo le mosse dal concetto di “diagramma” formulato da Gilles Deleuze, Kamini Vellodi (Kingston University, Goldsmiths College) ha proposto una rilettura della prassi artistica “proto-teatrale” di Tintoretto, evidenziando l’utilizzo eterodosso del lavoro preparatorio. Carrie Anderson (Massachusetts College of Art and Design, Boston) ha messo in relazione la serie di arazzi di Gobelins Old Indies con i relativi cartoni preparatori al fine di enucleare e discutere le discrasie fenomenologiche prodotte dal passaggio da un supporto all’altro. La lettura sinottica e l’interpretazione di disegni preparatori e fonti documentarie hanno consentito a Stefan Albl (University of Vienna) di ricostruire l’articolato processo creativo dell’Adorazione dei pastori di Pietro Testa (fig. 5).

Tutti gli interventi hanno fornito un rilevante apporto al dibattito su alcune questioni fondamentali, benché ancora sottovalutate, riguardanti la nascita e lo sviluppo del fare artistico. Sarebbe pertanto auspicabile che gli atti del convegno vedessero presto la luce per poter offrire un contributo concreto a questo fertile settore della storia dell’arte.
Giulia Martina Weston, 04/1172013

Didascalie immagini:
1. Giovan Battista Moroni, Ritratto di Alessandro Vittoria, 1553, Vienna, Kunsthistorisches Museum
2-3. Parmigianino, Studio di nudo (Mosè?), recto e verso, Londra, Victoria and Albert Museum.
4. Jacopo Tintoretto, Trafugamento del corpo di San Marco, olio su tela, cm 398 x 315, Venezia, Gallerie dell'Accademia.
5. Pietro Testa, Adorazione dei pastori, acquaforte, cm 21 x 30.


ENGLISH VERSION:

Work in Progress: Bringing Art into Being in the Early Modern Period
(The Courtauld Fifth Early Modern Symposium, 26 October 2013)

This symposium, devised and organised with Anya Matthews (also of the Courtauld Institute of Art), was designed to complement the Courtauld Research Forum’s “The Quick and the Dead” theme for 2012-2014. In 2012 the fourth Early Modern Symposium in this series explored “Art and its Afterlives”; the aim this year was to investigate the other end of the spectrum: the conception, birth and first steps of the artwork.
The idea of artistic work in progress, of bringing art into being, seemed to us to be a particularly productive way of stimulating and encouraging diverse theoretical and methodological approaches. By focusing on the process of art making, the symposium dealt with the controversial figure of the “artist-creator”, which owes much to the mythic entity of the Demiurge, introduced by Plato’s Timaeus. By setting out to interpret the demiurgic activity of the art-maker and the way in which this directs and drives artistic invention, the event focused on the Early Modern artist’s attempts to convey metaphysical ideas throughout the materiality of his works. Alongside the various case studies the speakers offered of how Early Modern artists and theorists engaged with this problem, the Symposium papers drew on 20th-century epistemological theories , such as Gilles Deleuze’s, for whom the work of art is “a machine that generates its own reality”.
The event also acknowledged the importance of technical analysis of art works in order to understand the process by which they were brought into being. Indeed a number of recent exhibitions have engaged in the same exercise – most notably Peter Paul Rubens: a touch of brilliance: oil sketches and related works from the State Hermitage Museum and The Courtauld Gallery Institute (London, Courtauld Gallery 20 Sept 2003 - 8 Feb 2004), Bernini Sculpting in Clay (New York, The Metropolitan Museum of Art 3 Oct 2012 - 6 Jan 2013; Fort Worth, Kimbell Art Museum 3 Feb - 14 Apr 2013) and Federico Barocci: Renaissance master of colour and line (St. Louis, Missouri, Saint Louis Art Museum 21 Oct 2012 - 20 Jan 2013; London, National Gallery 27 Feb - 19 May 2013).
The symposium comprised thirteen papers which considered artistic “work in progress” across a wide variety of media from 1550 to 1800 using an impressive range of philosophical, methodological and technical approaches to these problems.
The first session, chaired by Wolf Burchard (The Courtauld Institute of Art) was dedicated to “Inspiration and the Artistic Idea”. Nikola Mihaylov Piperkov (Université Paris I Panthéon, Sorbonne) explored the interplay between artistic and alchemical creation throughout an in-depth reading of Pieter Brueghel the Elder’s and Adriaen de Vries’ Mercury and Psyche. Providing a Plotinian interpretation for Marcantonio Raimondi’s engraved portrait of Raphael, Anne Bloemacher (University of Münster) discussed the iconographic features adopted to emphasize the stage of invention and the intellectual effort taking place in the artist’s mind. A comparison between two enigmatic pastiches representing two alleged self-portraits of Titian and Raphael allowed James Hall (independent art historian and critic) to speculate on the rise and impact of these competing models of the creative artist. Vasco Nuno Figueiredo de Medeiros (University of Lisbon) demonstrated the importance of taking into account the notion of ‘Iconopoiesis’, stressing the impact of technological resources adopted by Early Modern artists as they attempted to represent the world around them.
The second session, “Breaking Boundaries”, was chaired by Dr. Sheila McTighe (Senior Lecturer in Seventeenth-century Art, The Courtauld Institute of Art). Paragone between painting and sculpture in the conceiving of the work of art was investigated from complementary points of view. While Joris van Gastel (University of Warwick) explored the role of drawing in Gian Lorenzo Bernini’s creative process, problematizing the role of the artist’s own body as an intermediary in the artistic process, Sefy Hendler (Tel Aviv University) showed how a recto-verso preparatory drawing by Parmigianino acted as an emblematic epistemic space in which to question the boundaries between painting, sculpture and disegno. An insight into the drawing difficulties faced by Early Modern British plasterers as they attempted to satisfy increasingly sophisticated patrons was offered by Claire Gapper (independent architectural historian) in her paper on the creation of decorative plaster ceilings in the period.
Presided over by Dr. Jocelyn Anderson (The Courtauld Institute of Art), the third session, “Out of Time”, explored the relationship between art and temporality and the progression from inspiration to execution. Investigating the construction history of the Revolutionary Pantheon, David Gilks (Queen Mary, University of London) focused on Quatremère de Quincy’s ingenious yet ultimately unsuccessful attempts to adapt an ambitious architectural project in a shifting political and budgetary climate. Foteini Vlachou (Universidade Nova de Lisboa) provided a technical and iconographic analysis of Sequeira’s unfinished Allegory of Junot protecting the City of Lisbon, and revealed the complex ideological and juridical tribulations hidden beneath the surface of the canvas. Political and fiscal economic realities were also discussed as part of a paper by Letha Chien (University of California, Berkeley) on Tintoretto’s pictorial rendering of venezianità in the decoration of the Scuola Grande di San Marco in Venice.
 The fourth session, chaired by Dr. Guido Rebecchini (Lecturer in 16th-century Southern European Art, The Courtauld Institute of Art), focused on “Artistic experimentalism”. Drawing on Gilles Deleuze’s concept of ‘diagram’, Kamini Vellodi (Kingston University, Goldsmiths College) re-examined Tintoretto’s stage-method and his unorthodox use of the preparatory work. Carrie Anderson (Massachusetts College of Art and Design, Boston) compared the Gobelins tapestry series of the Old Indies with its preparatory cartoons, isolating and discussing the phenomenological shifts generated by cross-media translations. A synoptic reading and interpretation of preparatory drawings and documentary sources allowed Stefan Albl (University of Vienna) to reconstruct the complex creative process of Pietro Testa’s Adoration of the Shepherds.
The papers provided enormous scope for fruitful debate and discussion, problematizing fundamental, yet still under-explored questions concerning the process of artistic making. Therefore, it seems highly desirable that the proceedings of the conference are in future published as they would offer a conspicuous contribution to this fertile area of art historical enquiry.